My Own Private Audio – Episode 10 – Von Chuck Berry über die Beatles zu Dylan und wieder zurück.

Hallo Vinylfreunde,

Was sind das für tolle Schallplatten, die in unserem Vinyl-Lager bei Music Box Hq herumliegen? Lassen Sie es uns herausfinden …

Wow! Was für unglaubliche letzte Wochen mit tollen Vinyl-Veröffentlichungen. Lassen Sie uns zusammenfassen: Bob Dylan, „More Blood, More Tracks“, die Blues-Compilation der Rolling Stones, „Confessin‘ the Blues Vol. 1 und Vol. 2“ und die Beatles, „The Beatles“ alias The White Album, remixt von Mr. Giles Martin.

Es ist, als ob mein Geburtstag, Weihnachten und Neujahr zusammengekommen wären und beschlossen hätten, sie am selben Tag im Rahmen eines orgasmischen Audiofestivals zu feiern. Und wissen Sie was? Ich bin immer noch auf der Party.

Ich könnte mich jetzt auf jede dieser fantastischen Veröffentlichungen konzentrieren und die klanglichen Vorzüge jeder einzelnen in allen Einzelheiten erläutern, aber während einer „My Own Private Whiskey and Vinyl“-Session kam mir eine bessere Idee. (Zumindest schien es mir damals so.) Jede dieser drei Veröffentlichungen spricht die größere Entwicklung der aufgenommenen Musik an. Und der Argumentation halber beschränke ich meine Gedanken auf das Genre der Rockmusik.

Diese drei Alben sind wichtige Meilensteine ​​der Aufnahmegeschichte und des Rockalbums selbst.

„Confessin‘ The Blues“ spielt sich wie die beste K-Tel-Blues-Zusammenstellung, die Sie je gehört haben. Von Robert Johnson bis Chuck Berry springt aus jeder gut gepressten Rille der Keim der Inspiration der Rockmusik hervor.

Aufnahmen waren damals im Grunde wie ein Autogramm des Künstlers. Eine rudimentäre Nachbildung der Live-Performance; funktional und effizient. Aufnahmegeräte und Aufnahmetechniken waren damals äußerst einfach, ebenso wie die meisten Wiedergabegeräte für den Heimgebrauch, z. B. schwere Tonabnehmer und ein Lautsprecher. Aufnahmen waren nicht dazu gedacht, die Zuhörer auf eine Reise ins Klang-Nirvana mitzunehmen. Sie sollten schlicht und einfach ein Lied wiedergeben.

Soweit ich mich erinnere, kam mir diese Idee wahrscheinlich ungefähr zu der Zeit, als ich Mississippi Fred McDowells „You Gotta Move“ hörte. Ich legte sofort „Yer Blues“ auf und war nicht nur von dem kraftvollen neuen Mix völlig überwältigt, sondern erkannte auch den Kreislauf und die Verbindung, in die diese Titanen der Musik verstrickt waren.

Springen wir vor zu den Beatles. Auch sie begannen ihre Plattenkarriere auf die gleiche Weise wie diese Legenden des Blues. Ich glaube, ihr erstes Album „Please Please Me“ wurde in etwa einem Tag aufgenommen und gemischt. Aber sie waren die Kinder, die mit der Musik einiger revolutionärer Künstler aufwuchsen, wie Buddy Holly, der ein früher Pionier der Mehrspuraufnahme und anderer unkonventioneller Aufnahmetechniken war (Schlagzeug aus Pappkartons usw.). Und vergessen Sie nicht Les Paul, einen weiteren innovativen Aufnahmepionier (und ebenfalls Gitarristen). Natürlich wäre ich nachlässig, wenn ich nicht den Mann erwähnen würde, der ihre Reise möglich machte, George Martin, der seinen experimentellen Geist kultivierte, indem er in den 1950er Jahren aufwendige Comedy-Alben aufnahm. Diese Künstler und eine Handvoll anderer experimentierten mit der Tonaufnahme als Kunstform an sich und trieben dieses unerforschte Medium in eine unbekannte Richtung.

Ich muss gestehen, dass ich Revolution 9 normalerweise überspringe, weil es meiner Meinung nach den Fluss des White Albums unterbricht, aber irgendetwas an dem neuen Mix macht es klanglich tatsächlich angenehmer. Wie beim gesamten neu abgemischten Album wird der Umfang der Aufnahme klarer wiedergegeben. Es ist, als hätte Giles eine Fettschicht von den Bändern entfernt. Und ich war inzwischen wahrscheinlich bei meinem dritten Drink.

Sound um des Sounds willen. Als die Beatles mit „Revolver“ anfingen, war es ihnen egal, ob ihre Platten tatsächlich live reproduziert werden konnten. (Ich werde Tomorrow Never Knows als Paradebeispiel nennen.) Sie kreierten Sounds, die es in Wirklichkeit nicht gab. (Natürlich gab es viele Einflüsse, die sie zu diesem Grad des Experimentierens führten. Und ja. Sie haben die Beach Boys gewissermaßen übertrumpft – aber wir bleiben bei diesen drei Veröffentlichungen.)

Zwei Jahre nach der Aufnahme von „Revolver“ und ein Jahr nach dem kulturellen Meilenstein „Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band“ orientieren sie sich (wie viele andere Bands auch) an „John Wesley Harding“ von Bob Dylan und bringen – entschuldigen Sie das Wortspiel – alles nach Hause.

Ja. Inmitten der Psychedelia und eines aufkeimenden superharten Bluesrocks (à la Cream, Hendrix und die Anfänge von Led Zeppelin) nahmen die Beatles einen groben Reisebericht mit Material auf, der von klagenden Akustikballaden über Chuck Berry-artige Rocksongs bis hin zu Proto-Metal-Freak-Outs reichte. Die Aufnahmen selbst sind ziemlich unkompliziert (mit Ausnahme von Revolution 9), fast so, als wüssten sie, dass sie im Bereich der Aufnahme ein bestimmtes Niveau erreicht hatten und ihre Kreativität nur auf das Songwriting konzentrierten.

Als ich meinen dritten Drink intus hatte, war die ganze Verbundenheit dieser Künstler kristallklar. Ich legte sofort „More Blood, More Tracks“ auf und hörte mir „Lily, Rosemary and the Jack of Hearts“ an. Die reiche, strenge und selbstbewusste Interpretation des Liedes bestätigte einfach alles in meinem Kopf, und da beschloss ich, es Ihnen darzulegen.

Springen wir vorwärts ins Jahr 1975, als Dylan „Blood on the Tracks“ (eine seiner besten Songsammlungen) veröffentlichte, und blicken wir zurück auf die Zeit zwischen dieser Veröffentlichung und dem White Album, dem Aufstieg der Singer-Songwriter. Ein Back-to-Basics-Ansatz bei der Aufnahme, der an die frühesten Tage der Rock-/Blues-Aufnahmen erinnert. Aufnahmegeräte und -techniken hatten sich geändert, aber das Ziel, der Öffentlichkeit ein Dokument des Sängers und des Songs zu bieten, war gleich geblieben.

Diese Giganten der Musik des 20. Jahrhunderts waren/sind für immer miteinander verbunden und verschieben die Grenzen dessen, was in der Musik möglich und schön ist. Das Fundament des Liedes, der Katalysator für eine große Reise, die jedoch immer zum Einen zurückkehrt.

So haben sich diese Alben mit meinem Gehirn verbunden. Und ja. Mir ist klar, wie viele unglaublich talentierte Künstler ich auslasse und wie viel ich herumspringe, aber der Kreis, den diese drei Alben bilden, lässt sich nicht leugnen, und selbst wenn sie es können, na und? Alle drei Veröffentlichungen sind fantastisch und, was noch wichtiger ist, sie klingen fantastisch, also sollten Sie alle drei kaufen und genießen.

Wie immer vielen Dank für Ihre Zeit und Keep Spinning that Wax

Philippe Doucet